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Diamètre 23cm

Mathieu nous présente sa sélection :

Les pièces présentées ici sont façonnées en faïence, une terre fine et fragile que j’apprivoise depuis maintenant deux ans. Lorsque j’ai entrepris cette collection, j’ai cherché à créer des formes dans lesquelles chacun pourrait trouver un écho intime, une silhouette familière malgré leur étrangeté.

Je me suis penché vers le monde des insectes, en particulier celui de la guêpe maçonne, dont les ouvrages en terre crue m’évoquaient un écrin brut mais précieux. J’ai décidé d’en conserver la structure et de reproduire leur technique, en adaptant leurs gestes de fabrication à mes mains.

Les motifs qui ornent ces objets sont empruntés aux gravures et aux peintures européennes du Paléolithique et du Néolithique, œuvres anciennes de trente-cinq mille à six mille ans avant notre ère. Ces signes extirpés de notre histoire sont le témoignage de nos ancêtres dans leur rapport au monde, d’un geste humain encore proche de la pierre, du feu et des animaux. Ces formes et ces motifs s’inspirent d’un dialogue ancestral entre la nature et la main qui modèle, dans la tentative de remonter vers un possible berceau commun de nos imaginaires.

À propos de Mathieu :

Originaire de l'Essonne, Mathieu Gaspar a grandi entre la banlieue parisienne, la forêt et les champs. Dès l'enfance, il a eu un attrait pour le bricolage, l’histoire et la nature. Ces attirances l'ont amené à déménager en Limousin, où il a vécu dix ans, afin d'effectuer ses études à l’École nationale supérieure d’art et de design de Limoges, en section design d’objet.

Lors de son master, il a eu l'occasion de travailler de multiples médiums et de nombreux matériaux. C’est au cours de ses études qu’il a découvert la céramique à travers les techniques du modelage du grès, du moulage au plâtre et du coulage de la porcelaine. Du point de vue théorique, ses recherches se sont concentrées sur les objets, comme étant de puissants artefacts influant sur nos comportements et nos interactions sociales. Pour étudier cela, il a orienté une grande partie de son travail sur le rapport intime nous liant à nos objets et sur l'influence des objets sur nos liens sociaux. Il a également étudié l’influence des processus de fabrication comme mode d’émancipation des individus.

Après l'obtention de son diplôme, il a développé une activité mixte entre la production d’objets artisanaux coulés en porcelaine, la création graphique et la modélisation 3D. Désormais installé dans l’Hérault depuis 2023, il se consacre dorénavant au travail de la faïence, dont il explore les limites et les possibilités.

Mathieu nous présente sa sélection :

Les pièces présentées ici sont façonnées en faïence, une terre fine et fragile que j’apprivoise depuis maintenant deux ans. Lorsque j’ai entrepris cette collection, j’ai cherché à créer des formes dans lesquelles chacun pourrait trouver un écho intime, une silhouette familière malgré leur étrangeté.

Je me suis penché vers le monde des insectes, en particulier celui de la guêpe maçonne, dont les ouvrages en terre crue m’évoquaient un écrin brut mais précieux. J’ai décidé d’en conserver la structure et de reproduire leur technique, en adaptant leurs gestes de fabrication à mes mains.

Les motifs qui ornent ces objets sont empruntés aux gravures et aux peintures européennes du Paléolithique et du Néolithique, œuvres anciennes de trente-cinq mille à six mille ans avant notre ère. Ces signes extirpés de notre histoire sont le témoignage de nos ancêtres dans leur rapport au monde, d’un geste humain encore proche de la pierre, du feu et des animaux. Ces formes et ces motifs s’inspirent d’un dialogue ancestral entre la nature et la main qui modèle, dans la tentative de remonter vers un possible berceau commun de nos imaginaires.

À propos de Mathieu :

Originaire de l'Essonne, Mathieu Gaspar a grandi entre la banlieue parisienne, la forêt et les champs. Dès l'enfance, il a eu un attrait pour le bricolage, l’histoire et la nature. Ces attirances l'ont amené à déménager en Limousin, où il a vécu dix ans, afin d'effectuer ses études à l’École nationale supérieure d’art et de design de Limoges, en section design d’objet.

Lors de son master, il a eu l'occasion de travailler de multiples médiums et de nombreux matériaux. C’est au cours de ses études qu’il a découvert la céramique à travers les techniques du modelage du grès, du moulage au plâtre et du coulage de la porcelaine. Du point de vue théorique, ses recherches se sont concentrées sur les objets, comme étant de puissants artefacts influant sur nos comportements et nos interactions sociales. Pour étudier cela, il a orienté une grande partie de son travail sur le rapport intime nous liant à nos objets et sur l'influence des objets sur nos liens sociaux. Il a également étudié l’influence des processus de fabrication comme mode d’émancipation des individus.

Après l'obtention de son diplôme, il a développé une activité mixte entre la production d’objets artisanaux coulés en porcelaine, la création graphique et la modélisation 3D. Désormais installé dans l’Hérault depuis 2023, il se consacre dorénavant au travail de la faïence, dont il explore les limites et les possibilités.

Oeuvre suspendue réalisée à partir de textiles assemblés

longueur 240 cm, largeur 105 cm

Kayla nous présente sa sélection :

Dans Objets Sensibles, Kayla Ether explore les territoires du vivant à travers une série de textiles, sculptures et installations réalisés à partir de matériaux naturels et recyclés. Chaque œuvre dialogue avec la matière et l’espace, révélant texture, mémoire et énergie, et transformant l’environnement en un lieu de passage et de contemplation.

La collection est dédiée à Atabey, déesse Taína de l’eau et la nature ; elle incarne la force créatrice et la fluidité, de renouveau et de lien entre humains et nature. Les textiles ondulent comme des vagues, les sculptures naissent de formes organiques et les installations dialoguent avec l’architecture intérieure, exploitant les volumes, les seuils et les interstices. L’artiste travaille le design des espaces liminaux, transformant chaque intérieur en un environnement sensoriel où le flux de la matière et de la lumière devient palpable. Cette approche animiste invite à percevoir la vie dans chaque fibre, chaque objet et chaque recoin, explorant les passages entre visible et invisible, forme et âme, objet et lieu.

Le mois de décembre, symboliquement temps de réflexion et de transition, accompagne cette exploration, résonnant avec les qualités régénératrices d’Atabey. La collection invite le spectateur à ressentir le mouvement de la mer, la présence des éléments et la poésie des espaces intermédiaires, faisant de chaque pièce une expérience sensible et immersive.

À propos de Kayla Ether :

Originaire de la côte Est des États-Unis, Kayla Ether est une éco-artiste contemporaine qui travaille dans le Sud de la France, où son atelier devient un lieu de dialogue entre matière, esprit et nature. Elle crée sculptures, textiles, installations et peintures à partir de matériaux recyclés, organiques, naturels, végans et autres sources éco-responsables.

Afro-latina taïna, un héritage portoricain, héritière des peuples autochtones Taíno de Borikén — aujourd’hui Porto Rico — elle puise dans l’eau, les côtes et les esprits qui l’accompagnent. La mer, les rivière set les flux côtiers deviennent fil conducteur de sa pratique, où la philosophie de simplicité, d’imperfection et d’animisme révèle que chaque matière, chaque espace et chaque élément possède une âme.

Ses œuvres, à la fois brutes et minimalistes, traduisent cette écoute du vivant et des espaces liminaux — là où la forme devient souffle et la matière, passage. Elles explorent les seuils entre le visible et l’invisible, entre la forme et l’âme, entre l’objet et le lieu, célébrant mémoire, énergie et présence.

Diamètre 27 cm - Hauteur 17 cm

Poterie au colombin

Sahra nous présente sa collection :

Cette série d'amphores à corps tronconique est réalisée en grès noir chamotté selon la technique du colombin. Chaque pièce, élancée et épurée, revisite les codes de l'amphore antique dans une interprétation contemporaine. Inspirées des objets utilitaires d’autrefois, ces formes pensées pour contenir, conserver, durer, s’affranchissent aujourd'hui de leur fonction première pour devenir objets de contemplation. Le grès noir chamotté révèle une texture granuleuse, presque minérale. Cette matière capte la lumière de façon singulière, révélant chaque irrégularité qui porte la mémoire du geste.

Le travail au colombin inscrit dans la terre la lenteur de la construction, l'accumulation patiente des gestes, de ces cercles superposés qui montent progressivement. Les variations de taille quant à elles donnent à chaque amphore sa propre présence tout en préservant l'harmonie d'un ensemble cohérent.

À propos de Sahra, créatrice de Studio Enoia :

Graphiste et céramiste, mon quotidien créatif s'articule aujourd’hui entre ces deux métiers. Le graphisme reste au cœur de ma pratique, mais après des années derrière l'écran, j'avais besoin de retrouver un rapport direct à la matière. La céramique, qui m'a toujours fascinée, s'est naturellement imposée.

Ces deux disciplines dialoguent en permanence. La céramique enrichit ma vision du design à travers l'expérimentation des formes et des textures. Le graphisme, lui, affine mon regard sur l'équilibre des volumes que je façonne. Au tour, je réalise des séries fonctionnelles pour le quotidien. Au colombin, je construis mes pièces sculpturales, une technique qui me permet de ralentir, de prendre le temps du geste et de la construction progressive.

Poterie au colombin

Diamètre 26 cm, hauteur 3 cm.

Sahra nous présente sa collection :

Cette série d'amphores à corps tronconique est réalisée en grès noir chamotté selon la technique du colombin. Chaque pièce, élancée et épurée, revisite les codes de l'amphore antique dans une interprétation contemporaine. Inspirées des objets utilitaires d’autrefois, ces formes pensées pour contenir, conserver, durer, s’affranchissent aujourd'hui de leur fonction première pour devenir objets de contemplation. Le grès noir chamotté révèle une texture granuleuse, presque minérale. Cette matière capte la lumière de façon singulière, révélant chaque irrégularité qui porte la mémoire du geste.

Le travail au colombin inscrit dans la terre la lenteur de la construction, l'accumulation patiente des gestes, de ces cercles superposés qui montent progressivement. Les variations de taille quant à elles donnent à chaque amphore sa propre présence tout en préservant l'harmonie d'un ensemble cohérent.

À propos de Sahra, créatrice de Studio Enoia :

Graphiste et céramiste, mon quotidien créatif s'articule aujourd’hui entre ces deux métiers. Le graphisme reste au cœur de ma pratique, mais après des années derrière l'écran, j'avais besoin de retrouver un rapport direct à la matière. La céramique, qui m'a toujours fascinée, s'est naturellement imposée.

Ces deux disciplines dialoguent en permanence. La céramique enrichit ma vision du design à travers l'expérimentation des formes et des textures. Le graphisme, lui, affine mon regard sur l'équilibre des volumes que je façonne. Au tour, je réalise des séries fonctionnelles pour le quotidien. Au colombin, je construis mes pièces sculpturales, une technique qui me permet de ralentir, de prendre le temps du geste et de la construction progressive.

Bois de frêne et de châtaigner d’inspiration japonaise

diamètre 34 cm x hauteur 43 cm

À propos de Javier Macias :

Macias est architecte. Javier est artisan. Macias est menuisier. Javier est artiste. Macias est argentin. Javier est un citoyen du monde. Inspiré par la menuiserie japonaise, le bois indonésien, les parquets en point de Hongrie autant que la peinture écaillée d’une porte ancienne, par la nature brute des veines du bois autant que par la noblesse du travail de l’artisan qui pose ses mains dessus, Javier Macias voit le bois comme une approche globale. Philosophique et sensible, matérielle et évanescente.

Après une carrière d’architecte pour des grands ensembles urbains en argentine, Javier a traversé l’Atlantique et s’est retrouvé, par un jeu hasardeux de rencontres comme seule la vie des curieux sait en inventer, à Béziers. Après avoir collaboré sur plusieurs projets, pour des particuliers et des professionnels, il a posé ses valises, son établi et ses outils dans son atelier à Maraussan en 2025.

La collection Enlace, une collaboration Javier Macias Design x Doux Août Studio :

Aussi à l’aise pour la restauration de pièces anciennes que dans la création de pièces contemporaines, Javier Macias a croisé le chemin de Doux Août Studio en 2024. La collection Enlace est le fruit de leur première collaboration autour d’une sélection de pièces de mobilier réalisée à partir de matériaux anciens.

Enlace, c’est le lien, qui unit les êtres et les matières, les époques et les histoires, celles dont on se souvient, et celles qu’on écrit.

Cette sélection d’assises et de luminaires est tout sauf une coïncidence. La lumière, c’est l’idée, le déclic, la connexion. C’est l’aboutissement du processus de réflexion, c’est ce qui donne corps et matière à tout ce qui l’a construit. L’assise, c’est le temps. Le temps nécessaire à l’échange, à la discussion, à la réflexion. C’est ce qui génère l’idée et qui la fait germer. C’est le rassemblement, le moment de partage, le lien.

Diamètre 12 x Hauteur 9cm

Mathieu nous présente sa sélection :

Les pièces présentées ici sont façonnées en faïence, une terre fine et fragile que j’apprivoise depuis maintenant deux ans. Lorsque j’ai entrepris cette collection, j’ai cherché à créer des formes dans lesquelles chacun pourrait trouver un écho intime, une silhouette familière malgré leur étrangeté.

Je me suis penché vers le monde des insectes, en particulier celui de la guêpe maçonne, dont les ouvrages en terre crue m’évoquaient un écrin brut mais précieux. J’ai décidé d’en conserver la structure et de reproduire leur technique, en adaptant leurs gestes de fabrication à mes mains.

Les motifs qui ornent ces objets sont empruntés aux gravures et aux peintures européennes du Paléolithique et du Néolithique, œuvres anciennes de trente-cinq mille à six mille ans avant notre ère. Ces signes extirpés de notre histoire sont le témoignage de nos ancêtres dans leur rapport au monde, d’un geste humain encore proche de la pierre, du feu et des animaux. Ces formes et ces motifs s’inspirent d’un dialogue ancestral entre la nature et la main qui modèle, dans la tentative de remonter vers un possible berceau commun de nos imaginaires.

À propos de Mathieu :

Originaire de l'Essonne, Mathieu Gaspar a grandi entre la banlieue parisienne, la forêt et les champs. Dès l'enfance, il a eu un attrait pour le bricolage, l’histoire et la nature. Ces attirances l'ont amené à déménager en Limousin, où il a vécu dix ans, afin d'effectuer ses études à l’École nationale supérieure d’art et de design de Limoges, en section design d’objet.

Lors de son master, il a eu l'occasion de travailler de multiples médiums et de nombreux matériaux. C’est au cours de ses études qu’il a découvert la céramique à travers les techniques du modelage du grès, du moulage au plâtre et du coulage de la porcelaine. Du point de vue théorique, ses recherches se sont concentrées sur les objets, comme étant de puissants artefacts influant sur nos comportements et nos interactions sociales. Pour étudier cela, il a orienté une grande partie de son travail sur le rapport intime nous liant à nos objets et sur l'influence des objets sur nos liens sociaux. Il a également étudié l’influence des processus de fabrication comme mode d’émancipation des individus.

Après l'obtention de son diplôme, il a développé une activité mixte entre la production d’objets artisanaux coulés en porcelaine, la création graphique et la modélisation 3D. Désormais installé dans l’Hérault depuis 2023, il se consacre dorénavant au travail de la faïence, dont il explore les limites et les possibilités.

Couteaux à beurre pourpres réalisés au verre fusion

Grands :

Longueur 27 cm, largeur max 2 cm, épaisseur 0,4 cm

Longueur 29 cm, largeur max 2 cm, épaisseur 0,4 cm

Petit :

Longueur 13 cm, largeur max 2 cm, épaisseur 0,4 cm - vendu

Alexandra nous présente sa sélection :

Dans la lignée de Pierrette Bloch, je m’intéresse aux rythmes du tracé et à l’abandon dans un mouvement répété, libéré d’intention. En 2024, explorations artistiques et artisanales ont trouvé leur point de convergence dans une série en verre intitulée « Vine », réalisée en collaboration avec un atelier de soufflage. Le verre, fluide et imprévisible, poursuit ainsi ma quête du mouvement spontané, dans l’espace et la matière.

Hors-d’Œuvre Éditions naît de cette double exploration. Le projet se veut un laboratoire de recherche et d’expérimentations, un espace vivant et intuitif où chaque nouvelle série invite à explorer les formes, matériaux et gestes traditionnels, en fusionnant savoir-faire artisanal et approche contemporaine. Les objets sont pensés comme des artefacts du quotidien, à la croisée de l’usage et de la forme libre.

Fondée en 2024, Hors-d’Œuvre est une maison d’auto-édition, conçue comme un laboratoire de recherche et d’expérimentations. Un espace vivant et intuitif où chaque nouvelle série invite à explorer les formes, les matériaux et les gestes traditionnels, en hybridant savoir-faire artisanal et approche contemporaine. Les objets sont pensés comme des artefacts du quotidien, à la croisée de l’usage et de la forme libre. La collection actuelle met à l’honneur l’art de la table, avec des pièces façonnées dans mon atelier (céramique, fonderie, verre fusion) ou en collaboration avec des artisans français (verre soufflé / chalumeau).

À propos d’Alexandra Denat :

Designer de formation et artiste, je vis actuellement à Nîmes, où je partage mon temps entre ma pratique artistique, une activité de direction créative à Paris et le développement de Hors-d’Œuvre Éditions, une maison d’édition d’objets indépendante. À travers ce projet, je conçois et fabrique des pièces dans mon atelier, ou en collaboration avec des artisans d’art spécialisés.

Mon parcours en design industriel (2014-2019) m’a amenée à renouveler mon approche de l’objet par la matière et par le « faire ». De 2020 à 2024, j’ai intensifié mes immersions auprès d’artisans d’art – maroquiniers, ferronniers, céramistes, verriers et mosaïstes – afin de m’imprégner de leurs pratiques et d’aboutir à des séries d’objets profondément ancrées dans une réalité « terrain ». Depuis 2022, ma recherche « matière » s’est concentrée sur la céramique et le verre, dans un atelier en propre, et s’est nourrie d’une recherche artistique autour du mouvement spontané, inspiré de l’Hitsuzendō japonais.

Sculpture réalisée en papier-mâché et peinture végane

longueur 7 cm, largeur 16 cm, hauteur 30 cm.

Kayla nous présente sa sélection :

Dans Objets Sensibles, Kayla Ether explore les territoires du vivant à travers une série de textiles, sculptures et installations réalisés à partir de matériaux naturels et recyclés. Chaque œuvre dialogue avec la matière et l’espace, révélant texture, mémoire et énergie, et transformant l’environnement en un lieu de passage et de contemplation.

La collection est dédiée à Atabey, déesse Taína de l’eau et la nature ; elle incarne la force créatrice et la fluidité, de renouveau et de lien entre humains et nature. Les textiles ondulent comme des vagues, les sculptures naissent de formes organiques et les installations dialoguent avec l’architecture intérieure, exploitant les volumes, les seuils et les interstices. L’artiste travaille le design des espaces liminaux, transformant chaque intérieur en un environnement sensoriel où le flux de la matière et de la lumière devient palpable. Cette approche animiste invite à percevoir la vie dans chaque fibre, chaque objet et chaque recoin, explorant les passages entre visible et invisible, forme et âme, objet et lieu.

Le mois de décembre, symboliquement temps de réflexion et de transition, accompagne cette exploration, résonnant avec les qualités régénératrices d’Atabey. La collection invite le spectateur à ressentir le mouvement de la mer, la présence des éléments et la poésie des espaces intermédiaires, faisant de chaque pièce une expérience sensible et immersive.

À propos de Kayla Ether :

Originaire de la côte Est des États-Unis, Kayla Ether est une éco-artiste contemporaine qui travaille dans le Sud de la France, où son atelier devient un lieu de dialogue entre matière, esprit et nature. Elle crée sculptures, textiles, installations et peintures à partir de matériaux recyclés, organiques, naturels, végans et autres sources éco-responsables.

Afro-latina taïna, un héritage portoricain, héritière des peuples autochtones Taíno de Borikén — aujourd’hui Porto Rico — elle puise dans l’eau, les côtes et les esprits qui l’accompagnent. La mer, les rivières et les flux côtiers deviennent fil conducteur de sa pratique, où la philosophie de simplicité, d’imperfection et d’animisme révèle que chaque matière, chaque espace et chaque élément possède une âme.

Ses œuvres, à la fois brutes et minimalistes, traduisent cette écoute du vivant et des espaces liminaux — là où la forme devient souffle et la matière, passage. Elles explorent les seuils entre le visible et l’invisible, entre la forme et l’âme, entre l’objet et le lieu, célébrant mémoire, énergie et présence.

Poterie au colombin

Diamètre 9 cm, hauteur 18 cm

Diamètre 9 cm, hauteur 16 cm

Diamètre 9 cm, hauteur 16 cm - vendue

Sahra nous présente sa collection :

Cette série d'amphores à corps tronconique est réalisée en grès noir chamotté selon la technique du colombin. Chaque pièce, élancée et épurée, revisite les codes de l'amphore antique dans une interprétation contemporaine. Inspirées des objets utilitaires d’autrefois, ces formes pensées pour contenir, conserver, durer, s’affranchissent aujourd'hui de leur fonction première pour devenir objets de contemplation. Le grès noir chamotté révèle une texture granuleuse, presque minérale. Cette matière capte la lumière de façon singulière, révélant chaque irrégularité qui porte la mémoire du geste.

Le travail au colombin inscrit dans la terre la lenteur de la construction, l'accumulation patiente des gestes, de ces cercles superposés qui montent progressivement. Les variations de taille quant à elles donnent à chaque amphore sa propre présence tout en préservant l'harmonie d'un ensemble cohérent.

À propos de Sahra, créatrice de Studio Enoia :

Graphiste et céramiste, mon quotidien créatif s'articule aujourd’hui entre ces deux métiers. Le graphisme reste au cœur de ma pratique, mais après des années derrière l'écran, j'avais besoin de retrouver un rapport direct à la matière. La céramique, qui m'a toujours fascinée, s'est naturellement imposée.

Ces deux disciplines dialoguent en permanence. La céramique enrichit ma vision du design à travers l'expérimentation des formes et des textures. Le graphisme, lui, affine mon regard sur l'équilibre des volumes que je façonne. Au tour, je réalise des séries fonctionnelles pour le quotidien. Au colombin, je construis mes pièces sculpturales, une technique qui me permet de ralentir, de prendre le temps du geste et de la construction progressive.

Poterie au colombin

Diamètre 20 cm, hauteur 33 cm

Sahra nous présente sa collection :

Cette série d'amphores à corps tronconique est réalisée en grès noir chamotté selon la technique du colombin. Chaque pièce, élancée et épurée, revisite les codes de l'amphore antique dans une interprétation contemporaine. Inspirées des objets utilitaires d’autrefois, ces formes pensées pour contenir, conserver, durer, s’affranchissent aujourd'hui de leur fonction première pour devenir objets de contemplation. Le grès noir chamotté révèle une texture granuleuse, presque minérale. Cette matière capte la lumière de façon singulière, révélant chaque irrégularité qui porte la mémoire du geste.

Le travail au colombin inscrit dans la terre la lenteur de la construction, l'accumulation patiente des gestes, de ces cercles superposés qui montent progressivement. Les variations de taille quant à elles donnent à chaque amphore sa propre présence tout en préservant l'harmonie d'un ensemble cohérent.

À propos de Sahra, créatrice de Studio Enoia :

Graphiste et céramiste, mon quotidien créatif s'articule aujourd’hui entre ces deux métiers. Le graphisme reste au cœur de ma pratique, mais après des années derrière l'écran, j'avais besoin de retrouver un rapport direct à la matière. La céramique, qui m'a toujours fascinée, s'est naturellement imposée.

Ces deux disciplines dialoguent en permanence. La céramique enrichit ma vision du design à travers l'expérimentation des formes et des textures. Le graphisme, lui, affine mon regard sur l'équilibre des volumes que je façonne. Au tour, je réalise des séries fonctionnelles pour le quotidien. Au colombin, je construis mes pièces sculpturales, une technique qui me permet de ralentir, de prendre le temps du geste et de la construction progressive.

Bois de pin provenant d’anciens volets

Longueur 46 cm, profondeur 48 cm, hauteur 50 cm

À propos de Javier Macias :

Macias est architecte. Javier est artisan. Macias est menuisier. Javier est artiste. Macias est argentin. Javier est un citoyen du monde. Inspiré par la menuiserie japonaise, le bois indonésien, les parquets en point de Hongrie autant que la peinture écaillée d’une porte ancienne, par la nature brute des veines du bois autant que par la noblesse du travail de l’artisan qui pose ses mains dessus, Javier Macias voit le bois comme une approche globale. Philosophique et sensible, matérielle et évanescente.

Après une carrière d’architecte pour des grands ensembles urbains en argentine, Javier a traversé l’Atlantique et s’est retrouvé, par un jeu hasardeux de rencontres comme seule la vie des curieux sait en inventer, à Béziers. Après avoir collaboré sur plusieurs projets, pour des particuliers et des professionnels, il a posé ses valises, son établi et ses outils dans son atelier à Maraussan en 2025.

La collection Enlace, une collaboration Javier Macias Design x Doux Août Studio :

Aussi à l’aise pour la restauration de pièces anciennes que dans la création de pièces contemporaines, Javier Macias a croisé le chemin de Doux Août Studio en 2024. La collection Enlace est le fruit de leur première collaboration autour d’une sélection de pièces de mobilier réalisée à partir de matériaux anciens.

Enlace, c’est le lien, qui unit les êtres et les matières, les époques et les histoires, celles dont on se souvient, et celles qu’on écrit.

Cette sélection d’assises et de luminaires est tout sauf une coïncidence. La lumière, c’est l’idée, le déclic, la connexion. C’est l’aboutissement du processus de réflexion, c’est ce qui donne corps et matière à tout ce qui l’a construit. L’assise, c’est le temps. Le temps nécessaire à l’échange, à la discussion, à la réflexion. C’est ce qui génère l’idée et qui la fait germer. C’est le rassemblement, le moment de partage, le lien.

Largeur 21,5 cm x Longueur 9 cm.

Mathieu nous présente sa sélection :

Les pièces présentées ici sont façonnées en faïence, une terre fine et fragile que j’apprivoise depuis maintenant deux ans. Lorsque j’ai entrepris cette collection, j’ai cherché à créer des formes dans lesquelles chacun pourrait trouver un écho intime, une silhouette familière malgré leur étrangeté.

Je me suis penché vers le monde des insectes, en particulier celui de la guêpe maçonne, dont les ouvrages en terre crue m’évoquaient un écrin brut mais précieux. J’ai décidé d’en conserver la structure et de reproduire leur technique, en adaptant leurs gestes de fabrication à mes mains.

Les motifs qui ornent ces objets sont empruntés aux gravures et aux peintures européennes du Paléolithique et du Néolithique, œuvres anciennes de trente-cinq mille à six mille ans avant notre ère. Ces signes extirpés de notre histoire sont le témoignage de nos ancêtres dans leur rapport au monde, d’un geste humain encore proche de la pierre, du feu et des animaux. Ces formes et ces motifs s’inspirent d’un dialogue ancestral entre la nature et la main qui modèle, dans la tentative de remonter vers un possible berceau commun de nos imaginaires.

À propos de Mathieu :

Originaire de l'Essonne, Mathieu Gaspar a grandi entre la banlieue parisienne, la forêt et les champs. Dès l'enfance, il a eu un attrait pour le bricolage, l’histoire et la nature. Ces attirances l'ont amené à déménager en Limousin, où il a vécu dix ans, afin d'effectuer ses études à l’École nationale supérieure d’art et de design de Limoges, en section design d’objet.

Lors de son master, il a eu l'occasion de travailler de multiples médiums et de nombreux matériaux. C’est au cours de ses études qu’il a découvert la céramique à travers les techniques du modelage du grès, du moulage au plâtre et du coulage de la porcelaine. Du point de vue théorique, ses recherches se sont concentrées sur les objets, comme étant de puissants artefacts influant sur nos comportements et nos interactions sociales. Pour étudier cela, il a orienté une grande partie de son travail sur le rapport intime nous liant à nos objets et sur l'influence des objets sur nos liens sociaux. Il a également étudié l’influence des processus de fabrication comme mode d’émancipation des individus.

Après l'obtention de son diplôme, il a développé une activité mixte entre la production d’objets artisanaux coulés en porcelaine, la création graphique et la modélisation 3D. Désormais installé dans l’Hérault depuis 2023, il se consacre dorénavant au travail de la faïence, dont il explore les limites et les possibilités.

Oeuvre murale, herbes et plantes séchées, réalisée à partir de matières organiques trouvées et de fils recyclés.

Largeur 53 cm, hauteur 46 cm

Kayla nous présente sa sélection :

Dans Objets Sensibles, Kayla Ether explore les territoires du vivant à travers une série de textiles, sculptures et installations réalisés à partir de matériaux naturels et recyclés. Chaque œuvre dialogue avec la matière et l’espace, révélant texture, mémoire et énergie, et transformant l’environnement en un lieu de passage et de contemplation.

La collection est dédiée à Atabey, déesse Taína de l’eau et la nature ; elle incarne la force créatrice et la fluidité, de renouveau et de lien entre humains et nature. Les textiles ondulent comme des vagues, les sculptures naissent de formes organiques et les installations dialoguent avec l’architecture intérieure, exploitant les volumes, les seuils et les interstices. L’artiste travaille le design des espaces liminaux, transformant chaque intérieur en un environnement sensoriel où le flux de la matière et de la lumière devient palpable. Cette approche animiste invite à percevoir la vie dans chaque fibre, chaque objet et chaque recoin, explorant les passages entre visible et invisible, forme et âme, objet et lieu.

Le mois de décembre, symboliquement temps de réflexion et de transition, accompagne cette exploration, résonnant avec les qualités régénératrices d’Atabey. La collection invite le spectateur à ressentir le mouvement de la mer, la présence des éléments et la poésie des espaces intermédiaires, faisant de chaque pièce une expérience sensible et immersive.

À propos de Kayla Ether :

Originaire de la côte Est des États-Unis, Kayla Ether est une éco-artiste contemporaine qui travaille dans le Sud de la France, où son atelier devient un lieu de dialogue entre matière, esprit et nature. Elle crée sculptures, textiles, installations et peintures à partir de matériaux recyclés, organiques, naturels, végans et autres sources éco-responsables.

Afro-latina taïna, un héritage portoricain, héritière des peuples autochtones Taíno de Borikén, aujourd’hui Porto Rico, elle puise dans l’eau, les côtes et les esprits qui l’accompagnent. La mer, les rivières et les flux côtiers deviennent fil conducteur de sa pratique, où la philosophie de simplicité, d’imperfection et d’animisme révèle que chaque matière, chaque espace et chaque élément possède une âme.

Ses œuvres, à la fois brutes et minimalistes, traduisent cette écoute du vivant et des espaces liminaux, là où la forme devient souffle et la matière, passage. Elles explorent les seuils entre le visible et l’invisible, entre la forme et l’âme, entre l’objet et le lieu, célébrant mémoire, énergie et présence.

Pièces artisanales décoratives en bois brûlé.

Petit :

longueur 8,5 cm, largeur 6 cm, épaisseur 1,5 cm

Grand :

diamètre 10 cm, hauteur 7 cm

Kayla nous présente sa sélection :

Dans Objets Sensibles, Kayla Ether explore les territoires du vivant à travers une série de textiles, sculptures et installations réalisés à partir de matériaux naturels et recyclés. Chaque œuvre dialogue avec la matière et l’espace, révélant texture, mémoire et énergie, et transformant l’environnement en un lieu de passage et de contemplation.

La collection est dédiée à Atabey, déesse Taína de l’eau et la nature ; elle incarne la force créatrice et la fluidité, de renouveau et de lien entre humains et nature. Les textiles ondulent comme des vagues, les sculptures naissent de formes organiques et les installations dialoguent avec l’architecture intérieure, exploitant les volumes, les seuils et les interstices. L’artiste travaille le design des espaces liminaux, transformant chaque intérieur en un environnement sensoriel où le flux de la matière et de la lumière devient palpable. Cette approche animiste invite à percevoir la vie dans chaque fibre, chaque objet et chaque recoin, explorant les passages entre visible et invisible, forme et âme, objet et lieu.

Le mois de décembre, symboliquement temps de réflexion et de transition, accompagne cette exploration, résonnant avec les qualités régénératrices d’Atabey. La collection invite le spectateur à ressentir le mouvement de la mer, la présence des éléments et la poésie des espaces intermédiaires, faisant de chaque pièce une expérience sensible et immersive.

À propos de Kayla Ether :

Originaire de la côte Est des États-Unis, Kayla Ether est une éco-artiste contemporaine qui travaille dans le Sud de la France, où son atelier devient un lieu de dialogue entre matière, esprit et nature. Elle crée sculptures, textiles, installations et peintures à partir de matériaux recyclés, organiques, naturels, végans et autres sources éco-responsables.

Afro-latina taïna, un héritage portoricain, héritière des peuples autochtones Taíno de Borikén — aujourd’hui Porto Rico — elle puise dans l’eau, les côtes et les esprits qui l’accompagnent. La mer, les rivières et les flux côtiers deviennent fil conducteur de sa pratique, où la philosophie de simplicité, d’imperfection et d’animisme révèle que chaque matière, chaque espace et chaque élément possède une âme.

Ses œuvres, à la fois brutes et minimalistes, traduisent cette écoute du vivant et des espaces liminaux — là où la forme devient souffle et la matière, passage. Elles explorent les seuils entre le visible et l’invisible, entre la forme et l’âme, entre l’objet et le lieu, célébrant mémoire, énergie et présence.

Assiettes réalisées à la plaque.

Grès naturel. Utilisables pour un usage alimentaire sans produits gras, à ne pas laver au lave-vaisselle.

Diamètre 18 cm.

Sahra nous présente sa collection :

Cette série d'amphores à corps tronconique est réalisée en grès noir chamotté selon la technique du colombin. Chaque pièce, élancée et épurée, revisite les codes de l'amphore antique dans une interprétation contemporaine. Inspirées des objets utilitaires d’autrefois, ces formes pensées pour contenir, conserver, durer, s’affranchissent aujourd'hui de leur fonction première pour devenir objets de contemplation. Le grès noir chamotté révèle une texture granuleuse, presque minérale. Cette matière capte la lumière de façon singulière, révélant chaque irrégularité qui porte la mémoire du geste.

Le travail au colombin inscrit dans la terre la lenteur de la construction, l'accumulation patiente des gestes, de ces cercles superposés qui montent progressivement. Les variations de taille quant à elles donnent à chaque amphore sa propre présence tout en préservant l'harmonie d'un ensemble cohérent.

À propos de Sahra, créatrice de Studio Enoia :

Graphiste et céramiste, mon quotidien créatif s'articule aujourd’hui entre ces deux métiers. Le graphisme reste au cœur de ma pratique, mais après des années derrière l'écran, j'avais besoin de retrouver un rapport direct à la matière. La céramique, qui m'a toujours fascinée, s'est naturellement imposée.

Ces deux disciplines dialoguent en permanence. La céramique enrichit ma vision du design à travers l'expérimentation des formes et des textures. Le graphisme, lui, affine mon regard sur l'équilibre des volumes que je façonne. Au tour, je réalise des séries fonctionnelles pour le quotidien. Au colombin, je construis mes pièces sculpturales, une technique qui me permet de ralentir, de prendre le temps du geste et de la construction progressive.

Poterie au colombin.

Diamètre 22 cm, hauteur 6 cm

Sahra nous présente sa collection :

Cette série d'amphores à corps tronconique est réalisée en grès noir chamotté selon la technique du colombin. Chaque pièce, élancée et épurée, revisite les codes de l'amphore antique dans une interprétation contemporaine. Inspirées des objets utilitaires d’autrefois, ces formes pensées pour contenir, conserver, durer, s’affranchissent aujourd'hui de leur fonction première pour devenir objets de contemplation. Le grès noir chamotté révèle une texture granuleuse, presque minérale. Cette matière capte la lumière de façon singulière, révélant chaque irrégularité qui porte la mémoire du geste.

Le travail au colombin inscrit dans la terre la lenteur de la construction, l'accumulation patiente des gestes, de ces cercles superposés qui montent progressivement. Les variations de taille quant à elles donnent à chaque amphore sa propre présence tout en préservant l'harmonie d'un ensemble cohérent.

À propos de Sahra, créatrice de Studio Enoia :

Graphiste et céramiste, mon quotidien créatif s'articule aujourd’hui entre ces deux métiers. Le graphisme reste au cœur de ma pratique, mais après des années derrière l'écran, j'avais besoin de retrouver un rapport direct à la matière. La céramique, qui m'a toujours fascinée, s'est naturellement imposée.

Ces deux disciplines dialoguent en permanence. La céramique enrichit ma vision du design à travers l'expérimentation des formes et des textures. Le graphisme, lui, affine mon regard sur l'équilibre des volumes que je façonne. Au tour, je réalise des séries fonctionnelles pour le quotidien. Au colombin, je construis mes pièces sculpturales, une technique qui me permet de ralentir, de prendre le temps du geste et de la construction progressive.

Poterie réalisées à la main

Ces modèles uniques ayant été réalisés à la main, les mesures sont approximatives et varient légèrement pour chaque exemplaire.

Diamètre 6,5 cm, hauteur 10 cm

3 modèles disponibles :

Modèle 1 : le modèle le plus lisse

Modèle 2 : le modèle intermédiaire

Modèle 3 : le modèle le plus brut, donnant presque l’impression d’écailles.

Mathieu nous présente sa sélection :

Les pièces présentées ici sont façonnées en faïence, une terre fine et fragile que j’apprivoise depuis maintenant deux ans. Lorsque j’ai entrepris cette collection, j’ai cherché à créer des formes dans lesquelles chacun pourrait trouver un écho intime, une silhouette familière malgré leur étrangeté.

Je me suis penché vers le monde des insectes, en particulier celui de la guêpe maçonne, dont les ouvrages en terre crue m’évoquaient un écrin brut mais précieux. J’ai décidé d’en conserver la structure et de reproduire leur technique, en adaptant leurs gestes de fabrication à mes mains.

Les motifs qui ornent ces objets sont empruntés aux gravures et aux peintures européennes du Paléolithique et du Néolithique, œuvres anciennes de trente-cinq mille à six mille ans avant notre ère. Ces signes extirpés de notre histoire sont le témoignage de nos ancêtres dans leur rapport au monde, d’un geste humain encore proche de la pierre, du feu et des animaux. Ces formes et ces motifs s’inspirent d’un dialogue ancestral entre la nature et la main qui modèle, dans la tentative de remonter vers un possible berceau commun de nos imaginaires.

À propos de Mathieu :

Originaire de l'Essonne, Mathieu Gaspar a grandi entre la banlieue parisienne, la forêt et les champs. Dès l'enfance, il a eu un attrait pour le bricolage, l’histoire et la nature. Ces attirances l'ont amené à déménager en Limousin, où il a vécu dix ans, afin d'effectuer ses études à l’École nationale supérieure d’art et de design de Limoges, en section design d’objet.

Lors de son master, il a eu l'occasion de travailler de multiples médiums et de nombreux matériaux. C’est au cours de ses études qu’il a découvert la céramique à travers les techniques du modelage du grès, du moulage au plâtre et du coulage de la porcelaine. Du point de vue théorique, ses recherches se sont concentrées sur les objets, comme étant de puissants artefacts influant sur nos comportements et nos interactions sociales. Pour étudier cela, il a orienté une grande partie de son travail sur le rapport intime nous liant à nos objets et sur l'influence des objets sur nos liens sociaux. Il a également étudié l’influence des processus de fabrication comme mode d’émancipation des individus.

Après l'obtention de son diplôme, il a développé une activité mixte entre la production d’objets artisanaux coulés en porcelaine, la création graphique et la modélisation 3D. Désormais installé dans l’Hérault depuis 2023, il se consacre dorénavant au travail de la faïence, dont il explore les limites et les possibilités.

Sculptures décoratives réalisées en papier-mâché et peinture végétales

Terra : Diamètre 6 cm, hauteur 5 cm

Ash : Diamètre 8 cm, hauteur 6 cm

Concrete : Diamètre 7 cm, hauteur 7 cm

Multi : Diamètre 8 cm, hauteur 5,5 cm

Black : Diamètre 7 cm, hauteur 6 cm

Kayla nous présente sa sélection :

Dans Objets Sensibles, Kayla Ether explore les territoires du vivant à travers une série de textiles, sculptures et installations réalisés à partir de matériaux naturels et recyclés. Chaque œuvre dialogue avec la matière et l’espace, révélant texture, mémoire et énergie, et transformant l’environnement en un lieu de passage et de contemplation.

La collection est dédiée à Atabey, déesse Taína de l’eau et la nature ; elle incarne la force créatrice et la fluidité, de renouveau et de lien entre humains et nature. Les textiles ondulent comme des vagues, les sculptures naissent de formes organiques et les installations dialoguent avec l’architecture intérieure, exploitant les volumes, les seuils et les interstices. L’artiste travaille le design des espaces liminaux, transformant chaque intérieur en un environnement sensoriel où le flux de la matière et de la lumière devient palpable. Cette approche animiste invite à percevoir la vie dans chaque fibre, chaque objet et chaque recoin, explorant les passages entre visible et invisible, forme et âme, objet et lieu.

Le mois de décembre, symboliquement temps de réflexion et de transition, accompagne cette exploration, résonnant avec les qualités régénératrices d’Atabey. La collection invite le spectateur à ressentir le mouvement de la mer, la présence des éléments et la poésie des espaces intermédiaires, faisant de chaque pièce une expérience sensible et immersive.

À propos de Kayla Ether :

Originaire de la côte Est des États-Unis, Kayla Ether est une éco-artiste contemporaine qui travaille dans le Sud de la France, où son atelier devient un lieu de dialogue entre matière, esprit et nature. Elle crée sculptures, textiles, installations et peintures à partir de matériaux recyclés, organiques, naturels, végans et autres sources éco-responsables.

Afro-latina taïna, un héritage portoricain, héritière des peuples autochtones Taíno de Borikén — aujourd’hui Porto Rico — elle puise dans l’eau, les côtes et les esprits qui l’accompagnent. La mer, les rivières et les flux côtiers deviennent fil conducteur de sa pratique, où la philosophie de simplicité, d’imperfection et d’animisme révèle que chaque matière, chaque espace et chaque élément possède une âme.

Ses œuvres, à la fois brutes et minimalistes, traduisent cette écoute du vivant et des espaces liminaux — là où la forme devient souffle et la matière, passage. Elles explorent les seuils entre le visible et l’invisible, entre la forme et l’âme, entre l’objet et le lieu, célébrant mémoire, énergie et présence.

Œuvre murale, herbes et plantes séchées. Réalisée à partir de matières organiques trouvées et fils recyclés

largeur 30 cm x 15 cm

Kayla nous présente sa sélection :

Dans Objets Sensibles, Kayla Ether explore les territoires du vivant à travers une série de textiles, sculptures et installations réalisés à partir de matériaux naturels et recyclés. Chaque œuvre dialogue avec la matière et l’espace, révélant texture, mémoire et énergie, et transformant l’environnement en un lieu de passage et de contemplation.

La collection est dédiée à Atabey, déesse Taína de l’eau et la nature ; elle incarne la force créatrice et la fluidité, de renouveau et de lien entre humains et nature. Les textiles ondulent comme des vagues, les sculptures naissent de formes organiques et les installations dialoguent avec l’architecture intérieure, exploitant les volumes, les seuils et les interstices. L’artiste travaille le design des espaces liminaux, transformant chaque intérieur en un environnement sensoriel où le flux de la matière et de la lumière devient palpable. Cette approche animiste invite à percevoir la vie dans chaque fibre, chaque objet et chaque recoin, explorant les passages entre visible et invisible, forme et âme, objet et lieu.

Le mois de décembre, symboliquement temps de réflexion et de transition, accompagne cette exploration, résonnant avec les qualités régénératrices d’Atabey. La collection invite le spectateur à ressentir le mouvement de la mer, la présence des éléments et la poésie des espaces intermédiaires, faisant de chaque pièce une expérience sensible et immersive.

À propos de Kayla Ether :

Originaire de la côte Est des États-Unis, Kayla Ether est une éco-artiste contemporaine qui travaille dans le Sud de la France, où son atelier devient un lieu de dialogue entre matière, esprit et nature. Elle crée sculptures, textiles, installations et peintures à partir de matériaux recyclés, organiques, naturels, végans et autres sources éco-responsables.

Afro-latina taïna, un héritage portoricain, héritière des peuples autochtones Taíno de Borikén — aujourd’hui Porto Rico — elle puise dans l’eau, les côtes et les esprits qui l’accompagnent. La mer, les rivières et les flux côtiers deviennent fil conducteur de sa pratique, où la philosophie de simplicité, d’imperfection et d’animisme révèle que chaque matière, chaque espace et chaque élément possède une âme.

Ses œuvres, à la fois brutes et minimalistes, traduisent cette écoute du vivant et des espaces liminaux — là où la forme devient souffle et la matière, passage. Elles explorent les seuils entre le visible et l’invisible, entre la forme et l’âme, entre l’objet et le lieu, célébrant mémoire, énergie et présence.

Poterie au colombin.

Diamètre 28 cm, hauteur 12 cm

Sahra nous présente sa collection :

Cette série d'amphores à corps tronconique est réalisée en grès noir chamotté selon la technique du colombin. Chaque pièce, élancée et épurée, revisite les codes de l'amphore antique dans une interprétation contemporaine. Inspirées des objets utilitaires d’autrefois, ces formes pensées pour contenir, conserver, durer, s’affranchissent aujourd'hui de leur fonction première pour devenir objets de contemplation. Le grès noir chamotté révèle une texture granuleuse, presque minérale. Cette matière capte la lumière de façon singulière, révélant chaque irrégularité qui porte la mémoire du geste.

Le travail au colombin inscrit dans la terre la lenteur de la construction, l'accumulation patiente des gestes, de ces cercles superposés qui montent progressivement. Les variations de taille quant à elles donnent à chaque amphore sa propre présence tout en préservant l'harmonie d'un ensemble cohérent.

À propos de Sahra, créatrice de Studio Enoia :

Graphiste et céramiste, mon quotidien créatif s'articule aujourd’hui entre ces deux métiers. Le graphisme reste au cœur de ma pratique, mais après des années derrière l'écran, j'avais besoin de retrouver un rapport direct à la matière. La céramique, qui m'a toujours fascinée, s'est naturellement imposée.

Ces deux disciplines dialoguent en permanence. La céramique enrichit ma vision du design à travers l'expérimentation des formes et des textures. Le graphisme, lui, affine mon regard sur l'équilibre des volumes que je façonne. Au tour, je réalise des séries fonctionnelles pour le quotidien. Au colombin, je construis mes pièces sculpturales, une technique qui me permet de ralentir, de prendre le temps du geste et de la construction progressive.

Bois de frêne et de châtaigner.

Assemblages mécaniques d’inspiration japonaise.

Longueur 51,5 cm, profondeur 35,5 cm, hauteur 32 cm.

À propos de Javier Macias :

Macias est architecte. Javier est artisan. Macias est menuisier. Javier est artiste. Macias est argentin. Javier est un citoyen du monde. Inspiré par la menuiserie japonaise, le bois indonésien, les parquets en point de Hongrie autant que la peinture écaillée d’une porte ancienne, par la nature brute des veines du bois autant que par la noblesse du travail de l’artisan qui pose ses mains dessus, Javier Macias voit le bois comme une approche globale. Philosophique et sensible, matérielle et évanescente.

Après une carrière d’architecte pour des grands ensembles urbains en argentine, Javier a traversé l’Atlantique et s’est retrouvé, par un jeu hasardeux de rencontres comme seule la vie des curieux sait en inventer, à Béziers. Après avoir collaboré sur plusieurs projets, pour des particuliers et des professionnels, il a posé ses valises, son établi et ses outils dans son atelier à Maraussan en 2025.

La collection Enlace, une collaboration Javier Macias Design x Doux Août Studio :

Aussi à l’aise pour la restauration de pièces anciennes que dans la création de pièces contemporaines, Javier Macias a croisé le chemin de Doux Août Studio en 2024. La collection Enlace est le fruit de leur première collaboration autour d’une sélection de pièces de mobilier réalisée à partir de matériaux anciens.

Enlace, c’est le lien, qui unit les êtres et les matières, les époques et les histoires, celles dont on se souvient, et celles qu’on écrit.

Cette sélection d’assises et de luminaires est tout sauf une coïncidence. La lumière, c’est l’idée, le déclic, la connexion. C’est l’aboutissement du processus de réflexion, c’est ce qui donne corps et matière à tout ce qui l’a construit. L’assise, c’est le temps. Le temps nécessaire à l’échange, à la discussion, à la réflexion. C’est ce qui génère l’idée et qui la fait germer. C’est le rassemblement, le moment de partage, le lien.